Nas arquiteturas e nos arranjos espaciais concebidos por Aline Setton, as janelas assumem funções que estão entre aquelas sugeridas por Loos e por Le Corbusier. O espaço interno e o externo são contíguos: o fora e o dentro, assim como o perto e o longe, são separados por planos meticulosamente organizados pela artista. Em um mesmo trabalho, assumimos a posição do espectador, que mira o interior da habitação em seus inúmeros detalhes, e a do ator, que participa dos mesmos; somos ainda confrontados com paisagens distantes que capturamos com nosso olhar fotográfico. As janelas, para Setton, são mais do que operadores de visibilidade e invisibilidade da paisagem: são portais para espaços labirínticos que existem a partir da justaposição de fragmentos espaciais advindos de tempos distintos. 

O procedimento criado pela artista em suas composições revela a maneira pela qual as novas mídias influenciam a criação e a concepção dos espaços – fenômeno ao qual Le Corbusier estava atento quando propunha compreender a casa como máquina fotográfica. Setton localiza, tanto em livros de arquitetura e história da arte quanto na internet, imagens de espaços interiores e exteriores. Retirados de seus contextos, tais fragmentos imagéticos passam a integrar composições arquitetônicas improváveis e hiper-realistas. Com exímia precisão geométrica e realismo, cria-se certo desconforto no espectador, que não espera ser traído pelos pontos de fuga e pela perspectiva, elementos que fundamentam historicamente a educação do olhar no Ocidente. Os trabalhos de Setton escancaram a dimensão de virtualidade intrínseca à arquitetura, e, ao mesmo tempo, as superfícies sedutoras da pintura, que retratam esses espaços impossíveis, podem apontar para a proliferação e a superficialidade da produção de imagens na contemporaneidade. Diante da beleza e do rigor das composições, é quase impossível não pensar na função da arquitetura e das cidades contemporâneas como simulacros e objetos de produção e circulação de imagens: o ideal contemporâneo de cidade perfeita se relaciona tanto com as facilidades tecnológicas da smart city quanto com imagens espetaculares de torres espelhadas e iluminadas que atraem likes em redes sociais. 

Vale retomar ainda a ideia de suspensão temporal presente nas composições da artista: diante da impossibilidade de identificarmos de onde foram retirados os fragmentos espaciais, tem-se apenas o espaço-tempo presente do espectador. É inevitável olhar para as imagens produzidas a partir de uma perspectiva contemporânea, tal que suas obras poderiam ser compreendidas pela lógica da tela de computador, no qual, após dias intensos de labuta do usuário, inúmeras janelas de natureza e tempos distintos convivem. A simultaneidade e a justaposição são elementos fundamentais do mundo digital e constitutivos do trabalho da artista. Ao suspender o tempo-espaço dos fragmentos, estaria Setton provocando uma espécie de glitch na nossa compreensão arquitetônica do espaço-tempo? 

O glitch é uma interrupção temporária que desafia a linearidade do tempo e nos permite imergir em um estado de desconcerto. Para autores como Legacy Russel, tomar para si esse conceito poderia incentivar o reconhecimento de imperfeições, erros e desvios da norma, que muitas vezes são reprimidos ou considerados indesejáveis socialmente. Na era digital, em que a tecnologia e as mídias sociais desempenham papéis significativos na formação da cultura, o glitch possibilitaria até a subversão de narrativas dominantes e o questionamento do binarismo de gênero. É interessante olharmos para o trabalho de Setton como uma espécie de glitch na maneira pela qual percebemos e habitamos os espaços que, em sua maioria, permanecem regulados pelas estruturas de poder essencialmente masculinas. Setton é uma mulher, que subverte e constrói espaços todos seus. 

 Nesse sentido, gostaria de terminar este texto com uma breve reflexão sobre o processo de produção do espaço. Comecei discutindo, a partir de Beatriz Colomina, a maneira pela qual Adolf Loos e Le Corbusier, dois dos mais importantes arquitetos modernos do mundo ocidental, concebiam a relação dentro e fora de suas construções. Em seguida, eu me dediquei ao trabalho de Setton e à sua proposição para o espaço: em Interiores, as composições da artista formam uma grande instalação, de modo que os painéis pivotantes, tão característicos do espaço do Fonte, deixam de ser apenas suporte para as telas e se integram aos planos oblíquos das composições da artista; já as telas se comportam como paredes que recortam e criam outros espaços de experiências. Ao realizar suas obras, estaria Setton produzindo também o espaço? Penso ser importante declarar que sim. Diante de um mundo ainda desenhado e concebido por (e para) homens, os trabalhos da artista têm o papel fundamental de reivindicar, de forma sutil, o lugar de outros corpos nas paisagens urbanas e de criar geografias que possam escapar à nossa imaginação primeira. 

   Ana Roman

C-R-A-S-H

Dissimulando o medo em uma postura altiva e ao mesmo tempo avançando guiada por uma frágil confiança técnica, a cena de uma equilibrista que atravessa o topo de dois prédios concentra sentimentos que vão da tensão paralisante (do público) à convicção que propulsiona (a acrobata) em direção à glória. Passo a passo, empunhando uma longa haste que ora pende à direita, ora equaliza-se em uma linha horizontal, nossa audaz personagem provoca em cada um dos espectadores a torcida agônica pelo fim da jornada da heroína. O vento bate mais forte, o cabo de aço tremula, e seu corpo em riste responde com movimentos que se opõem ao balanço natural da corda. Queremos vê-la alcançar ilesa o destino, mas cada segundo e cada centímetro são um misto de incerteza e aflição: é dever de cada passo evitar o abismo.

Tão fascinante quanto tensa, imaginar a performance de uma equilibrista evidencia a fragilidade humana contrapondo-se à mais densa concretude: a única certeza dessa narrativa é a solidez dos pontos de partida e de chegada: confiamos que os prédios não vão colapsar, que os alicerces vão garantir estabilidade e que sua estrutura seguirá imóvel. Toda imprevisibilidade, fraqueza ou possibilidade de erro é associada aos limites do corpo e da mente: o cálculo dos movimentos foi impreciso, os ensaios não se provaram suficientes, o tônus não suportou: foram as faculdades humanas as responsáveis pelo anticlímax. Os elementos envolvidos no feito épico de atravessar o vão livre nos servem como abstração para pensar as obras de Aline Setton e Érica Storer, artistas que manipulam cenas altamente racionais para alcançar uma deformação lírica e onírica da experiência visual. Para além da materialidade evidente que empregam — linhas tensionadas, materiais rígidos, cortes oblíquos e formas fragmentadas —, seus trabalhos são assentados em uma atmosfera embaralhada: seja através da pintura, da escultura, da instalação ou da performance, percebemos sempre um intento de d-e-s-o-r-i-e-n-t-a-ç-ã-o.

Em O Retorno do Real — um dos tratados mais relevantes à reflexão da arte contemporânea publicado na virada do milênio —, Hal Foster emprega dois conceitos que nos aventam possíveis rumos para adentrar a produção de Setton e Storer. Em um campo semântico emprestado da Física, o fenômeno denominado parallax sugere o deslocamento aparente de um objeto por conta da mudança do ponto de vista do observador: mesmo inerte, um corpo pode ter sua posição relativa alterada de acordo com a perspectiva pela qual o fitamos: fica evidente a traição ótica e a imprecisão de uma certeza guiada pela percepção. Por sua vez, o termo deferred action, cunhado originalmente por Lacan, remete à evidência psicanalítica de que a experiência do trauma não é um acontecimento único, podendo ressurgir em momentos que reverberam o abalo fundador: seja na História ou na consciência individual, não há como ignorar um rastro: por suas fissuras ou por suas feridas, o passado se reencena.

Sem a pretensão de esgotar perguntas-complexas em respostas-fáceis ou encarcerar em territórios seguros a produção individual das duas artistas, nos alenta recorrer, mais uma vez, à cena da equilibrista: como espectadores, ao olharmos desde o solo, temos a certeza de que ela está facejando as nuvens, tão próxima ao limite do céu; lá no topo, contemplativa e concentrada em sua missão, a ela resta aspirar fundo, prender o ar e pisar firme em um terreno que nenhuma estabilidade oferece: a velocidade é um risco e dar um passo atrás não é opção.

Henrique Menezes

O Eco das Sombras

Mimese

O projeto reúne performances ao vivo, esculturas, fotografias e vídeos, todos convergindo em torno do tema central da redefinição dos limites entre sujeito e objeto, convidando os espectadores a envolverem-se ativamente com os efeitos do mimetismo.

Peças de madeira desenhadas com base na anatomia humana e animal, aliadas às geometrias dos utensílios do cotidiano, tornam-se canais para explorar as ligações entre o corpo humano e os objetos inanimados. A exploração deliberada da distância entre os dois, leva os espectadores a questionar as suas percepções, desafiando-os a investigar as distorções causadas pelo mimetismo e suscitando a contemplação da fluidez da identidade na interação entre as formas desenhadas.

Parte integrante da exposição são performances ao vivo, contando com a presença da artista para ativar as peças de madeira. Estas performances desdobram-se ao longo do período da exposição, oferecendo uma camada dinâmica às obras estáticas. Uma coreografia de manipulação, inspirada nos movimentos necessários para alcançar e girar as peças de diferentes maneiras, cria um diálogo entre a artista, as esculturas e o espaço.

As fotografias e vídeos partem da documentação visual das ações, captando momentos em que o corpo e o objeto se envolvem em uma coreografia improvisada de movimentos possíveis. Através dos mecanismos de rotação, as peças de madeira ampliam os limites do corpo, estabelecendo uma relação simbiótica entre a forma humana e os objetos trabalhados.

A exposição conta tambem com objetos interativos, projetados para serem manipulados pelos visitantes, que aprimoram a experiência imersiva, permitindo que os indivíduos se tornem parte integrante do discurso artístico, confundindo os limites entre observador e participante, sujeito e objeto.

Inspirado nas grandes referências da arte concreta brasileira, como Ligia Clark e seus icônicos “Bichos”, além de designs de móveis modernistas, “Mimese” homenageia essas influências ao mesmo tempo em que forja uma narrativa que passa por diferentes mídias.
A estrutura modular dos objetos, não só apresenta uma variedade de configurações, mas também abre possibilidades de implantação em diversos contextos e escalas.

A look into the eye of a building